Una mujer inicia un viaje marítimo para resignificar su vida en Quemar las naves. El viaje de Emma

Obra escrita y dirigida por Rocío Carrillo

Propuesta que combina el teatro, el video, la música, la danza, y que además prescinde del lenguaje verbal

Se escenificará del hasta el próximo 28 de octubre de 2017 en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque

Organización Secreta Teatro presentará Quemar las naves. El viaje de Emma, una obra de teatro interdisciplinario que narra el viaje marítimo de una mujer en busca del sentido de la vida. Se estará presentando en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque, con funciones los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas, hasta el 28 de octubre de 2017.

Con un planteamiento cercano al surrealismo y una propuesta que combina el teatro, el video, la música, la danza, y que además prescinde del lenguaje verbal, Quemar las naves revisita el mito de Ulises y el recorrido que representa la Odisea bajo el personaje de Emma, interpretado por Georgina Rábago.

Emma es una mujer de mediana edad que se embarca en un viaje sin rumbo claro, busca huir del dolor tras la pérdida de su marido. Este acontecimiento la llevará a resignificar su vida.

En entrevista, Rocío Carrillo, directora del montaje, comentó que el lenguaje interdisciplinario fue pensado para que la obra sea comprendida sin necesidad de palabras. “El teatro, la música y la danza son dramaturgias que se entrecruzan. Puede decirse que los actores dibujan sobre el espacio su interpretación física y emotiva, sometida a un ritmo determinado”.

Al tratarse de un personaje femenino, la relación de Emma con los cíclopes, las sirenas y el resto de los personajes de la historia, toma otros significados; los arquetipos femeninos y masculinos que surgen en el recorrido representan pruebas y desafíos que la protagonista debe enfrentar para lograr una transformación. De este modo, Emma construye su propia odisea, con el propósito de resignificar el lugar de la mujer.

Al respecto, Rocío Carrillo agregó: “La obra puede verse en cualquier territorio porque su temática nos atañe a todos. Además, propone profundizar en los roles de género y resignificar a la mujer en nuestra cultura. Lo que particulariza el montaje es el planteamiento de lo que una mujer madura puede lograr, un recorrido iniciático como la heroína de su propia historia para vivir una existencia plena”.

La dramaturga expresó también su deseo de que cada espectador pueda elaborar su propia versión de la historia y descubrir la vigencia que los mitos conservan en nuestros días. “La Odisea contada desde el punto de vista femenino sugiere caminos que podemos recorrer y pruebas que son necesarias enfrentar para sobrevivir a las pérdidas.”

Después de su presentación en el Centro Cultural de Bosque, la puesta en escena Quemar las naves. El viaje de Emma representará a México en el próximo Encuentro de las Américas 2017, que se realizará en Los Ángeles, California, del 29 de octubre al 19 de noviembre de 2017.

La compañía AKTO ZERO se inspira en el arte surrealista pop para mostrar la crueldad humana

Escenificará su propuesta T-TIME los días 21, 23 y 24 de septiembre de 2017 en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque

¿Qué tan cruel puede ser la humanidad? Este es un cuestionamiento que la compañía AKTO ZERO ha planteado en un montaje inspirado en la esencia del movimiento de arte surrealista pop o lowbrow.

T-TIME es el nombre del espectáculo que esta agrupación presentará el jueves 21 de septiembre de 2017 a las 20:00 horas, el sábado 23 de septiembre a las 19:00 horas y finalmente el domingo 24 de septiembre de 2017 a las 18:00 horas en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque.

La bailarina y coreógrafa Diane Eden, directora de la compañía, explica que T-TIME es un programa escénico integrado por dos piezas inspiradas en los artistas visuales Mark Ryden y Ray Caesar, cuyas obras despiertan una especie de sensación agridulce por sus personajes delicados y a la vez terroríficos. En T-TIME se reunen diversas formas de expresión, como la danza butoh, la mímica, el teatro y la danza contemporánea para lograr un lenguaje escénico de múltiples lecturas.

El arte visual llamado lowbrow o surrealismo pop, nacido en California en la década de los setenta, mezcla elementos de la cultura pop y del surrealismo con buenas dosis de humor y sarcasmo.

Sobre las razones que motivaron a Eden a crear T-TIME a partir del surrealismo pop, comenta que no solo fue un gusto personal por este movimiento, sino también la necesidad de traducir una estética visual al cuerpo y al espacio escénico, de mostrar el aspecto sociocultural actual de México –el cual, asegura, está muy arraigado al arte lowbrow por su gran contenido subjetivo– y de verter en un recipiente corporal la agonía social para reflejar en un escenario a una sociedad quebrantada.

En T-TIME, agrega, el público se encontrará con un montaje de contrastes, doble discurso y doble moral en un paisaje bipolar escénico, donde lo mismo experimentará momentos bellos y poéticos, que crueles, ya que algunos de los temas que se abordan son el sometimiento, el canibalismo, la vulnerabilidad del ser con el abuso de poder, la mentira y el engaño, junto con la inocencia y la ternura, con burbujas de imágenes caricaturescas.

La artista que ha colaborado con coreógrafos nacionales como Raúl Parrao, Andrea Chirinos, Rodrigo Angoitia, Evoé Sotelo y Lidya Romero, refiere que busca detonar en los espectadores “impacto y miedo al reflejarse en la insaciable locura de la existencia humana. Me interesa que se estremezcan con la desdicha de uno de los personajes en particular y se desentiendan del resto, que simplemente encarnan de una manera sarcástica la podredumbre del ser humano”.

Desde su punto de vista, la principal aportación de T-TIME es que aborda temas que comúnmente no son planteados en la danza, como la violencia, y su aspecto visual por medio del movimiento corporal y de los elementos escenográficos.

Finalmente, asevera que fue gracias a un apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes que pudo materializar este montaje.

AKTO ZERO fue fundada en el 2008 por Diane Eden con el solo dancístico I˃D (Identity Crisis), obra que fue invitada a diversos foros nacionales. En 2010, la compañía fue seleccionada para participar en Emergencia Coreográfica con la pieza Vorte X33.

El misterio de las niñas desaparecidas, un cuento de horror y solidaridad

Escrita y dirigida por Berta Hiriart y presentada por la compañía Los cantores del confín y La Titería AC

¡Ya vienen los comediantes con sus fábulas, canciones y bailes! ¡Corramos a verlos! Esta vez traen una historia que nos pondrá los pelos de punta, pero que quizá tenga un final feliz. Es la invitación que la obra El misterio de las niñas desaparecidas anunciará hasta el próximo 22 de octubre de 2017 en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, con funciones los sábados y domingos a las 12:30 horas.

En El misterio de las niñas desaparecidas, tres comediantes de la lengua viajan contando la historia de lo que ocurre en su pueblo, donde tras la muerte de la alcaldesa Justa, un tal Maximino se ha adueñado del poder.

Respecto a la idea original de la historia, la escritora y directora del proyecto, Berta Hiriart, comentó: “Me propuse entablar un diálogo indirecto con el público infantil y juvenil, por medio de una obra teatral que, sin eludir el dolor de las desapariciones, abordara el tema desde la distancia que ofrecen los cuentos clásicos”.

“La dirección escénica consiste básicamente en alentar la creatividad de los actores y los artistas a cargo de la música y los diseños visuales, y coordinar los aportes de todos con la intención de lograr cierta unidad de sentido. En este caso, la idea inicial se encontró en el texto: tres comediantes de la lengua dan vida a una historia de horror y solidaridad, en la que intervienen más de veinte personajes”

La compañía reunida para la puesta en escena busca conjugar el texto, la creación plástica, la música, la actuación y el manejo de títeres y objetos, para contar una historia con una experiencia estética que motive a la reflexión, particularmente en los niños mayores de ocho años.

“De arranque sabíamos que habría títeres de diversos tamaños y números musicales al estilo del teatro de revista. Lo demás, el montaje mismo, fue surgiendo sobre el escenario gracias al trabajo colectivo”, mencionó Hiriart.

El elenco de la obra lo conforman María del Carmen Félix, Benjamín Martínez, Alberto Cerz y Sofía Padilla. El diseño de escenografía, iluminación, vestuario y títeres corre a cargo de Edyta Rzewuska y la música original, de Marco Loredo.

La dramaturga y directora Berta Hiriart, ha trabajado en teatro, radio, periodismo, literatura y la coordinación de talleres creativos en estos campos. Lleva publicados alrededor de veinte títulos, entre relatos, novelas, obras de teatro y ensayos, gran parte de los cuales están dirigidos a niñas, niños y adolescentes. Sus obras se han montado en diversos estados de la República Mexicana y Estados Unidos, así como en Costa Rica, Alemania y Polonia.

“El teatro es un encuentro: cada espectador reacciona a su modo ante aquello que ve y escucha. Deseo que los niños disfruten a fondo el hecho teatral. Y con esto no sólo me refiero al goce estético que pueden brindarles la música, los títeres o las luces, sino a la posibilidad de que sientan que los sucesos que transcurren en la escena les hablan, de algún modo, de sí mismos y del mundo que los rodea. Espero que así sea porque tal reconocimiento propicia un ejercicio ético y emocional necesario para el desarrollo de la juventud”, finalizó.

La compañía Caña y Candela Pura montará un espectáculo de flamenco para niños que exalta el valor de las tradiciones familiares

¡Mi abuela flamenca! es el título de esta pieza que podrá disfrutarse en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque

El flamenco ha hecho complicidad con una de las compañías más representativas de este género dancístico, para cautivar al público infantil dentro de una historia que muestra cómo algunas tradiciones familiares han sido olvidadas por los niños al estar atrapados en el mundo de la tecnología.

La agrupación Caña y Candela Pura, encabezada por la reconocida maestra Lourdes Lecona, es la que dará vida al espectáculo ¡Mi abuela flamenca!, que ofrecerá funciones en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque los días 23, 24 y 30 de septiembre de 2017, así como el 01, 07 y 08 de octubre de 2017 a las 13:00 horas.

Toda la propuesta gira en torno a las vivencias de una niña que reside en una provincia de España. Ella, al igual que muchos infantes, ha sido absorbida por los medios tecnológicos, por lo que su familia, en especial su abuela, harán todos los esfuerzos necesarios para que la pequeña piense en asuntos trasversales relacionados con los valores humanos.

Sobre el detonador de la pieza, la maestra Lecona -quien es bailarina, coreógrafa, docente, investigadora, promotora y posee 60 años de vida artística-, explicó que como artista sentía la responsabilidad y compromiso de hacer una pieza que exaltara valores sociales, como el respeto, la tolerancia y la inclusión, por medio de una propuesta que les genere a los menores un gozo espiritual.

Desde el punto de vista de quien es becaria del Fonca en la categoría de Creadores Escénicos con Trayectoria, el público infantil es un sector poco atendido, de ahí su interés de hacer un montaje de flamenco dirigido especialmente a los pequeños.

“La niñez es un tema que de manera personal me preocupa y ocupa, no solo como docente, madre o abuela, sino como artista y como parte de la sociedad civil que se cuestiona sobre ese mundo que estamos heredando a las próximas generaciones y a lo cual, por supuesto, tenemos que responder. De ahí mi deseo de poder compartir con los niños y niñas de nuestro país mi afición y amor por la danza -la cual inicié desde niña-, así como mis otras grandes pasiones, como son la música y la literatura”.

Agregó que “el mensaje explícito de la obra es lograr sensibilizar y acercar a los niños al mundo de la danza y la música, como binomio esencial, así como la motivación para el disfrute y gozo del teatro y todos los elementos que involucra. El mensaje implícito se encuentra en el rescate de valores y la generación de estructuras armónicas para la convivencia social, a través de lo cual se espera contribuir a la significación de valores como el respeto a la diversidad cultural y valoración de las tradiciones de los pueblos del mundo, con el fin de fomentar una cultura para la paz. Se suma la resignificación del valor de respeto a los abuelos (personas de la tercera edad), como generadores de amor y aprendizajes, que debemos considerar también como un capital cultural valioso para los nuevos tiempos”.

La maestra Lecona se dice satisfecha de los resultados alcanzados con ¡Mi abuela flamenca!, ya que para su diseño se tomó en consideración el eje de la educación y su vinculación con el arte, en donde, a su parecer, se requiere haber sido docente durante muchos años en escuelas para niños, además de adentrarse al mundo infantil desde otras dimensiones, como lo hizo justamente ella.

Otro aspecto que la hace sentirse orgullosa de su propuesta es que, durante el espectáculo, se promueve la comunicación y convivencia de los menores con los personajes de la obra, para que, de manera paralela, esta población pueda descubrir ese mundo mágico que es el espacio teatral, en donde entran en juego otros lenguajes de la representación escénica, como la iluminación, escenografía y utilería, además del uso de textos y elementos audiovisuales y sonoros. “De esta forma se incentiva la creatividad y la imaginación de forma amena y divertida, con apoyo de recursos didácticos y un tinte humorístico”.

Finalmente la creadora dijo: “Si logramos provocar que algunos de estos niños y niñas se acerquen al mundo de las artes y que se promueva la convivencia sana, armónica y gozosa en familia, habremos puesto un granito de arena en este proceso de fomentar o generar valores con aquellos que algún día tomarán el timón de la vida”.

Laboratorio Vasija Cobalto estrenará Experimentos de personalidad de la luz y el color, un performance sobre el comportamiento humano

Ofrecerá funciones los días 07, 09 y 10 de septiembre de 2017 en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque

Un grupo de creativos e intérpretes se juntaron para reflexionar en torno a lo que los colores representan en su percepción y experiencia, dando como resultado un performance que se convierte en una experiencia sensual, ética y estética sobre el comportamiento humano, a través de la vibración y frecuencia del color.

Se trata de la obra Experimentos de personalidad de la luz y el color, creada por la compañía Laboratorio Vasija Cobalto y que se estrenará en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque. Podrá disfrutarse en dicho espacio el jueves 07 de septiembre a las 20:00 horas, el sábado 09 a las 19:00 horas y finalmente el domingo 10 a las 18:00 horas.

La pieza es una experimentación escénica que aborda la personalidad del color, explicó Carlos Martínez, director de la agrupación y bailarín con casi dos décadas de experiencia en la escena. Para su creación, se tomó como base una escala de valores de frecuencia vibracional del color en relación con los estados de ánimo y la lectura de la personalidad de los intérpretes de la pieza.

Martínez comentó que cada uno de los personajes tiene un color, una actividad, un sonido y una máscara que los define en virtud y defecto de su específica vibración, proponiendo un detallado estudio del comportamiento humano, en espectros de vibración de luz, sonido y movimiento. Se ofrece así un performance integral que en su aspecto más positivo modificará el ambiente donde es insertado.

Quien ha sido bailarín de reconocidas compañías nacionales -como ASYC / El Teatro de Movimiento, VSS Compañía de Danza y Camerino 4-, confesó que siempre se ha preguntado cómo se define la personalidad propia a partir del roce con las demás, sus posibles combinaciones y sus opuestos complementarios.

“En este tiempo de intolerancia, consumo indiscriminado, obstrucción y bloqueo del libre tránsito me parece necesario extender y nutrir mi pregunta personal con la de más colegas, desarrollando una metodología de pensamiento-acción para plantear un fenómeno estético en la vía pública y escenarios que permita reflexionar al respecto, abstrayendo una singularidad dentro de la macro complejidad; una micro complejidad que revele una posibilidad de pensar, sentir y actuar filtrada por una experiencia sensual, ética y estética a través de la vibración y frecuencia del color”.

Experimentos de personalidad de la luz y el color es resultado de un trabajo en conjunto entre creativos y bailarines. Después de debatir entre ellos, realizaron experimentos de creación espontánea que permitieron recabar una colección de movimientos que devienen en acciones y estas a su vez en actividades que se repiten de manera cíclica, dotando de duración y sustento un trance que pretende alcanzar su frecuencia vibracional.

“Una vez hecho el laboratorio de acciones se dio paso a los matices dentro del mismo espectro cromático definiendo los detalles que caracterizan la motricidad de cada personaje. Se propone así una perspectiva de la danza a partir de la acción”, señaló el director de Vasija Cobalto.

Mencionó también que busca generar en el espectador “una reflexión del tiempo a través de una analogía de lo que se percibe como presente; una posibilidad de sintonía y frecuencia de la relación entre la armonía y el caos”.

Carlos Martínez está satisfecho con los resultados de este performance porque se maneja como un sistema de esculturas monocromáticas que funciona de manera modular y en conjunto de manera intermitente e itinerante, generando una interrupción del espacio cotidiano que pretende detonar un suceso de asombro y reflexión de su inesperado acontecimiento.

Y es que el montaje lo mismo puede desarrollarse en espacios públicos que en foros escénicos cerrados; cada personaje pieza cuenta con un set que puede portar consigo mismo (escenografía, props y bocina), realizando su intervención y continuando su viaje, dejando atrás la posible trayectoria de reflexión en el público potencial.

La Caja y la ENDF recibirán actividades del 1er Encuentro Danza y Juventud de la CDMX

Habrá muestras escénicas y clases magistrales gratuitas entre el 04 y 08 de septiembre de 2017.

El Encuentro fue creado por la compañía Tepeyollotl Dance Project, con el apoyo del gobierno de la CDMX a través del INJUVE, en colaboración con diversas instancias como el INBA, por medio de la Coordinación Nacional de Danza.

La Ciudad de México cuenta con una nueva plataforma dancística: el Encuentro Danza y Juventud, el cual se realizará en diferentes sedes de esta gran urbe, como el foro La Caja de la Ex Esmeralda y la Escuela Nacional de Danza Folklórica (ENDF) del Centro Cultural del Bosque.

Este Encuentro es impulsado por el Gobierno de la Ciudad de México, a través del Instituto de la Juventud (INJUVE), en colaboración con el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), a través de la Coordinación Nacional de Danza. Además, participan la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, por medio del Sistema de Teatros; el Sistema de Transporte Colectivo Metro, a través de su área de cultura; y, la Secretaría de Desarrollo Social Federal, mediante el apoyo del Instituto Mexicano de la Juventud (IMJUVE).

Por lo que se refiere a la colaboración del INBA, ésta se verá manifestada en las sedes de La Caja y la ENDF, espacios que siguen abriendo sus puertas a propuestas de las nuevas generaciones de bailarines y coreógrafos que están en la búsqueda de oportunidades para mostrar su trabajo.

La Caja albergará muestras escénicas, las cuales se realizarán los días 04, 06 y 07 de septiembre, a las 18:00 horas. El lunes 04 se presentará el grupo Malditos 2+1, el Colectivo Monroy y Alejandra Millán; el miércoles 06 estarán Daniela García Kadala y Pamela Ocoha Levy, Azul Alonso y Fetos Danza Contemporánea; el jueves 07 participarán el Grupo Interestelar, el Teatro Kandinsky y Anagrama. Este foro se encuentra en el edificio de la Ex Esmeralda, ubicado en la calle de San Fernando 14, colonia Guerrero. A espaldas de la iglesia de San Hipólito (Metro Hidalgo).

Y para aquellos interesados en tomar clases gratuitas de danza, éstas se llevarán a cabo del 05 al 08 de septiembre de 2017, a las 17:00 horas, en la ENDF del Centro Cultural del Bosque. La del martes estará dedicada a la coreografía y será impartida por el maestro Óscar Ruvalcaba; la del miércoles será de contemporáneo y estará a cargo de Javier Romero; la del jueves será de Vogue y la ofrecerá Anuar Albvarado (Any Funk); mientras que la del viernes será de ballet y la impartirá Domingo Rubio.

El joven bailarín Víctor Tepayotl, director de la compañía Tepeyollotl Dance Project, es el creador y orquestador del Encuentro Danza y Juventud de la CDMX. En entrevista explica que su motivación para crear este evento se debe a la dificultad que existe para desarrollo profesional de los artistas emergentes y a su deseo personal por brindar un voto de confianza a la juventud y a la danza.

“Buscamos generar puentes de convivencia y diálogo entre los artistas y el público, así como suscitar un espacio para analizar la realidad a la que se enfrentan las nuevas generaciones de la danza mexicana, las necesidades estéticas de los espectadores y cómo es percibida la danza por el público y el público por la danza, además de fortalecer el tejido social a través de las expresiones del movimiento del cuerpo”.

Tepayotl se muestra satisfecho y agradecido del apoyo que obtuvo de todas las instancias involucradas en el Encuentro Danza y Juventud. Está convencido que la unión de esfuerzos permitirá un mayor acercamiento entre público y la danza, es decir, “se generará una democratización del arte del movimiento del cuerpo”, dijo.

Finalmente, el intérprete señala que hace casi tres años fundó su compañía Tepeyollotl Dance Project y si bien ha cosechado frutos en poco tiempo, sigue encontrando muchos obstáculos, entre ellos, los pocos espacios donde poder presentar su trabajo, ya que sigue siendo una organización joven y con poca trayectoria: “Por ello es muy importante desarrollar plataformas con las cuales propiciar que nuevas propuestas artísticas puedan darse a crecer y exponerse”.

El 1er. Encuentro Danza y Juventud de la CDMX tendrá una duración total de 10 días, en 13 sedes. Para más información de la cartelera consultar la página www.injuve.cdmx.gob.mx

La Compañía Nacional de Teatro presenta: Éramos Tres Hermanas (variaciones sobre Chéjov)

Ofrece funciones desde el pasado 24 de agosto hasta el próximo 01 de octubre de 2017 en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque

Ana Ofelia Murguía, Marta Verduzco, Marta Aura y Adriana Roel, todas exponentes referenciales del arte teatral mexicano, conforman el elenco.

José Sanchis Sinisterra, autor y director de Éramos Tres Hermanas (variaciones sobre Chéjov), comenta sobre su texto que, una vez asumida rotundamente una opción estética no realista y al decantarse por lo que podría llamarse la ostentación de la convención teatral, quiso explorar la misteriosa sintonía entre la forma dramática inaugurada por Chéjov en el tránsito de los siglos XIX y XX, y algunas de las más radicales innovaciones del teatro contemporáneo de Beckett, Pinter, Handke, Vinaver, Müller y Schimmelpfennig, entre otros.

Así es como en escena, los tres personajes que dan título a la obra se han quedado solos y han entrado paulatinamente a un universo beckettiano en el que todo se erosiona. La nueva temporada del montaje, con dirección residente de Gema Aparicio, se lleva a cabo desde el pasado 24 de agosto en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

“Sin perder de vista que, en todo el teatro de Chéjov, los supuestos protagonistas adquieren su relevancia en medio de una maraña de seres que, muy a menudo, parecen disputarles el centro de la historia, en esta obra el personaje de Natasha, por ejemplo, ejerce una función de antagonista que, sin duda, dinamiza en alto grado la acción dramática, determinando en parte el destino de toda la familia Prozorov”.

Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov), estrenada en 2015 como parte del repertorio de la Compañía Nacional de Teatro, contó desde el inicio del proceso de montaje con la colaboración, como asistente de dirección, de Gema Aparicio, directora, actriz y doctora en Teoría, Historia y Práctica del Teatro por la Universidad Complutense de Madrid. Asimismo, en España fue alumna de José Sanchis y actriz y colaboradora del Nuevo Teatro Fronterizo.

Una vez que Sanchis volvió a España, Aparicio, que no ha cesado de trabajar con las actrices que forman parte del elenco, resalta como directora residente lo enriquecedor que ha resultado esta experiencia.

Realizada la introducción y el análisis de la obra con Ana Ofelia Murguía, Marta Verduzco y Marta Aura desde antes de que Sanchis llegara a México, el diálogo permitió resolver dudas en una primera fase hasta la llegada del estreno, para retomar más tarde, después de la primera temporada, un trabajo que permitió a todo el equipo descubrir nuevos elementos y subtextos de cada personaje.

A decir de Gema Aparicio, todas son actrices impecables, cada una con su estilo, y poseedoras de infinitas herramientas actorales y de una gran experiencia que, sin embargo, no las deja conformes con lo que ya han conseguido, sino que cada día investigan, trabajan, proponen ideas maravillosas, comentan y descubren a partir de su incuestionable profesionalismo y de una gran disposición al juego sorprendente, independientemente del tono de la obra.

La directora residente destaca la importancia de la relectura de Sanchis a la obra de Chéjov, que va hasta el fondo del texto mientras desarrolla una de las obsesiones del dramaturgo español relacionada con el tiempo, que muestra a los tres personajes, de 20, 24 y 28 años de edad, físicamente mayores, pero sujetas a un tiempo beckettiano en el que se detuvo su pensamiento y nunca hicieron algo de lo que les dictaba su deseo.

“Dentro de esta premisa, Sanchis realiza unos guiños maravillosos sobre cómo construimos la memoria e idealizamos el recuerdo, y al hacerlo, lo cuestionamos, con lo que también plantea su deterioro”.

El rescate del planteamiento filosófico de Chéjov y el cuestionamiento ecológico y existencial implícitos en la obra de Sanchis hablan de la vigencia de un texto que nos toca intensamente en pleno siglo XXI, en el que seguimos haciéndonos preguntas similares, refiere Aparicio.

De José Sanchis Sinisterra, bajo su propia dirección y con dirección residente de Gema Aparicio, Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov) es protagonizada por Ana Ofelia Murguía –quien alternará funciones con Adriana Roel–, Marta Verduzco y Marta Aura, y cuenta con diseño de escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez; de vestuario de Estela Fagoaga, y sonoro de Alberto Rosas y Victoria Benet.

La temporada se llevará a cabo desde el pasado 24 de agosto hasta el próximo domingo 01 de octubre de 2017, los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas, a excepción de los días 15 y 16 de septiembre de 2017, en el Teatro Orientación. Duración aproximada: 90 minutos. Entrada general: 150 pesos. Jueves: 30 pesos.

La compañía Foco alAire estrenará montaje que juega con imágenes cinematográficas en escena

Se trata de la obra MarDulce (CinEscenA), que podrá disfrutarse en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque

Una ferviente pasión por el séptimo arte motivó a dos creadores mexicanos a construir un montaje en el que se recurre a imágenes cinematográficas recicladas para jugar con ellas en escena y así provocar al espectador para que se sienta parte crucial de la experiencia.

Marcela Sánchez Mota y Octavio Zeivy, (este último Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2016) codirectores de Foco alAire son los autores de esta propuesta titulada MarDulce (CinEscenA), que se presentará en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque el jueves 31 de agosto y el viernes 01 de septiembre a las 20:00 horas, el sábado 02 de septiembre a las 19:00 horas y el domingo 03 de septiembre a las 18:00 horas.

Foco alAire es una de las agrupaciones más innovadoras de la escena en México desde hace casi dos décadas. La compañía goza del reconocimiento nacional e internacional por la singularidad de su estilo. MarDulce (CinEscenA) es un proyecto beneficiado con el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA Emisión 2016.

En entrevista, los directores explicaron que ambos comparten un gusto especial por el cine; de hecho, en varios de sus proyectos pasados ya habían recurrido a algunos elementos de este arte.  Sin embargo, con MarDulce (CinEscenA) asumieron el reto de convivir con escenas cinematográficas de manera más directa y como un elemento esencial de la propuesta escénica.

Al preguntarles sobre la temática que aborda el montaje comentaron: “Las temáticas son múltiples como lo es el propio cine y, de alguna manera, hicimos una reflexión sobre el propio cine dentro de la escena y en ello estuvo su convivencia. Por eso el título de CinEscena”.

Sánchez Mota y Zeivy aclararon que lejos de querer dar un mensaje con MarDulce (CinEscenA), su interés como compañía siempre ha sido provocar al espectador, que este se sienta inmerso en la pieza o que le genere una empatía sobre aquello que está viendo. “Pensamos que no necesariamente el arte tiene que dar un mensaje, el espectador toma el mensaje que necesita del arte y lograrlo es muy importante para nosotros”.

Los directores de Foco alAire estuvieron inmersos junto con los creadores escénicos en un laboratorio de experimentación para lograr su propuesta. En él, se trabajó con imágenes y pantallas en movimiento, se experimentó con una iluminación fría y con un vestuario satinado que los llevó a una suerte de tonalidades monocromáticas. Por lo que se refiere al aspecto sonoro que emerge del cine, este dio pie a resultados inesperados. En tanto que los creadores abordaron personajes del cine para recrearlos en escena y establecer un diálogo entre la imagen grabada y la escena en vivo.

Sobre el simbolismo de esta pieza en la historia de la compañía dijeron: “Para nosotros la coreografía es solo una de las partes que componen el todo de nuestra propuesta como Foco alAire. Los elementos con los que trabajamos provienen de muchas partes, incluso de elementos de reflexión del mundo actual y con ello, hablamos de recursos de las artes plásticas, de composición, de interpretación, del diseño sonoro, de la música, por supuesto del cine, de las nuevas formas de narrar y en ello va nuestra manera de ver el mundo. Creemos que todo esto en conjunto responde a la pregunta sobre el simbolismo que tiene esta pieza para la compañía”.

El equipo creativo de este montaje está conformado por Julia Barrios, Luis Villegas, Adrián García, Marsel Toledo, D´Enirio Pérez, Leny Hernández, César Rene Pérez, Emmanuel Fragoso, Ángel Lara Martínez (creadores escénicos), Nicolas Chirokoff (videoescénico), Jésica Elizondo/ Foco alAire producciones (diseño Iluminación y realización) y Foco alAire producciones (diseño de escenografía y realización, diseño sonoro y mezclas, vestuario).

Antígona, la mujer que enfrentó al poder en Tebas

Se está presentando desde el pasado 20 de julio y hoy 27 de agosto será su última función de esta temporada en el Teatro Julio Castillo.

A partir del texto original de Sófocles, llega al Centro Cultural del Bosque Antígona -versión y dirección de David Gaitán-, puesta en escena que pretende utilizar la ficción para hurgar en política, sociología y filosofía. Este montaje se ha podido disfrutar desde el pasado 20 de julio y el día de hoy domingo 27 de agosto será su última función de esta temporada a las 18:00 horas en el Teatro Julio Castillo.

Es una producción de Teatro UNAM que relata la historia de Antígona, hija de Edipo, antiguo rey de Tebas, quien enfrenta a la autoridad política y al rey Creonte, cuestionando los preceptos morales tradicionales tras la muerte de su hermano Polinices, considerado el traidor del pueblo.

Pese al decreto que anuncia la pena de muerte a quien ose enterrar el cadáver, Antígona intenta darle sepultura bajo el argumento: “es mi deber”.  Por ello es enfrentada a juicio, acontecimiento que ha obligado al pueblo de Tebas a revisitar sus ideas sobre la justicia.

La puesta en escena permite el siguiente cuestionamiento: ¿están las leyes del Estado por encima de las naturales, se nombren “ciencia”, “dios” o “herencia”?, pregunta que sigue vigente y que es observable en la sociedad contemporánea.

Al respecto el director del montaje, David Gaitán, comentó en entrevista que “la obra mantiene una aterradora vigencia. En su momento nos motivó la idea de escenificar una conversación sobre política que aun ahora consideramos que es necesario tener; en un mundo en el que sus líderes cargan de teatralidad sus administraciones; el indagar en la complejidad de carácter así como utilizar esa teatralidad para problematizar la realidad nos parece un anclaje poderoso al presente”.

La propuesta escénica es convertir al teatro en una asamblea popular donde participen tanto elenco como espectadores, y que pueda resolver este juicio a través de la reflexión de todos los asistentes. “Se busca hacer deAntígona un espacio para discutir sobre la justicia, la política, la vigencia de la relación con lo divino, el activismo social, la responsabilidad de quien gobierna, la obligación del ciudadano frente a la opresión, la democracia, la libertad de expresión, la importancia de los actos simbólicos, el comportamiento del colectivo frente a las crisis de liderazgo… Todo esto bajo la premisa de no traicionar la complejidad de carácter propia a todo ser humano”, comentó el director.